ピアニスト・タカの脱線CD評

FLAT122キーボードとして活躍・ピアニスト・タカ音楽評

Phew/1st・サウンドの奉仕力が凄い傑作。

これが1stとは!!勉強不足を恥じる宣伝部長。

おーい、ライブが2回あるのだろうが。準備しなさいよ、、と心の声がする。しかし、これを書かねばその先がない感じ。
本作、改めて申し上げますとPhew(名義では)1stアルバムとなります。その前にアーント・サリー、あの一部では有名なジャケのアルバムもありますが、まあこれは後追いで書くことがあるでしょうかね。
それにしてもこの音世界は改めて聴くと昔聴いた印象より更に濃度を増して、それでいて聴きやすい。まあ、こちらだって指をくわえて数十年生きて来たわけではないのであり(と言いつつ、指を銜えていただけのような気もするが)音楽の若干の底上げにより、聴力もようやく人並みになって来たのである。ここ数年のPhewの特にライブでのパフォーマンスはどこか切なく、背中に電流がビィーッッッッと伝う感じがあるのですが、この若い頃は逆に醒めた感じがする。年を重ねて熱を帯びて来ているのだろうか?「枯れた味わい」とか「いぶし銀のような」という形容に真っ向から背を向けるような、凛とした佇まいだと思う。こういう人が真にカッコいいのだと僕は思う。突き放した感じのヴォーカルと言えばイイのだろうか、ジャストな位置から微妙な弧を描いて上昇する摩訶不思議な音程を発する声は、この頃より既に確立されており、黎明期のアルバムだからそこのところを割り引かないといけない、、などという国産にありがちな甘い見方は無意味ということになる。今現在の音楽と勘違いして聴いていただいてOK。
それはPhew自身によるところも勿論あるが、サウンドを形成しているカンのセンスによるところも大きい。このセンスは残念ながら日本ではあまり耳にすることの出来ない色調である。例えば、冒頭の作品「CLOSED」のベースのアプローチ。Phewの音楽において最も特長的なのはベースの存在である。所謂ごく普通のベースの在り方というのが見当たらない。長い尺でのベース不在、相当な違和感がある。おそらく、この辺で針を上げてしまう根性の無い(失礼)音楽ファンも居るかも知れない。しかし、ここは我慢しよう。すると、ベコッ、、ボコッ、、!と何だかミックカーン(ニューウェーブの旗手"ジャパン"(しかし、しっかり英国のバンドである。)の名ベーシスト)が風邪でもひいたのか、どうも調子が上がらない感じ(笑)、ヤケに間を空けたベースが地味な装いで出現する。
これが良いのである。何度も聴いてみるとイイ、癖になるから。
そして、Phewヴォイス。例の上ずった、天才的にズレた音程が重なると、もはや聴き手は音楽道の岐路に立たされていることを知る。左右に分かれる道。片方は「即座に針上げ!!Phewという得体の知れない音楽家など知らなかったことにする」そしてもう片方は向こうにトンネルが見えて、どうもそこを歩いて潜らないといけないような具合である(笑)それは「これからPhewの音にドップリと漬かりコールタールの海に浮き輪無しで飛び込む」(イメージとして)を意味する。真ん中の道というのは残念ながらない。気に入らないと思っても何だかうっかり聴いてしまう、、という場合、それはアナタ、、ほぼコールタール派の集合体に入っているのである。私が入り口にモギリ係として立っておりますから、どうぞ笑顔で入場してください。

例えば後半に出て来る普通ならどこにでもある8ビート、、Phewの他アルバムでも取り入れている単純なビートであるが、だからこそセンスの違いが浮彫りとなる。アーント・サリーの8ビートなんかもヘタウマですが(どちらかというと下手な部類か、、笑)僕は好んでおります。上手いということが「イコール魅力的」ということにはなりませんので。
いうなれば中途半端がよろしくないかも知れない。下手なら下手で堂々としていれば聴く方も意外に納得するものなのである。それを、そこそこ上手というのは気持ち悪い。いっそ練習など止めて思い切り下手になるか、地獄のような練習で雲の上に出るか、そこはハッキリした方がイイ。またまた問題発言ですね、、失礼しました!

そして、本作と「A New World」というリリースのタイミングとしては"端っこ同士の作品"が個人的に最も好む作品となります。サウンドもまた両極端と言えるでしょう。この2枚は座右の盤として我が成増山スタジオには常設、持出し厳禁というわけです。本作はアナログの良さが全面に出ております。シーケンサー(手弾かもしれない)で鳴らされるモコモコとしたシンセベースもありますが、リズムの振幅は広く、サウンドとして太く温かな印象を受けます。ところがその上に位置する音楽自体は陰鬱で冷たく、虚飾を排した赤裸々なPhewの世界が重なっている。その強いコントラストこそが本作の特長でありましょう。
人の目を通し、その絵柄が一旦心に焼き付けられる。脳内フィルターを通し、その絵柄は異形となって外界へと戻って来る。何故かそういうことを考えてしまう。
1stアルバムには理由は知らないが傑作が多い。ELPも、カルメンマキ&OZも、そしてレッドツェッペリンもなかなか渋い。Phew入門?だったら本作を薦めます。「宣伝部長特別推薦盤」(何が特別なのかは知らないが)というわけです。

上原ひろみ・Alive - ようやく聴いてみる!

このリズムセクションの訴求力。

サイモン・フィリップスアンソニー・ジャクソンリズムセクションということで本作を手にした音楽ファンも多いかと思う。
僕もその一人かも知れない。
Youtubeで視て(聴いて)アルバムを買っちゃった!」というケースは少なくないが、これもまた例外ではなく。
しかし、キッカケとなったYoutubeの作品は入っていなかったようです。そこは少し残念。上原ひろみさんは同業者です。同じピアニストであり作曲家なのだけれど、これまで何故か避けて聴かなかった。しかし、食わず嫌いは自分の悪い癖です。ということで、ようやく聴いてみました。他アーティストの影響が微妙に感じ取れるところが面白いです。これは僕個人の感じ方かも知れないですが、不思議とプログレ色の混入?ありです。ELPであるとか、ザッパのような文法も入り込んでいる。ジャズピアニストとしては異例に変拍子が多く、それは彼女自前のフィルターを通して消化吸収し独特なフレーズにより創出されている。好感度が高いですね。サイモン・フィリップスは随分若い頃から耳にしておりますが、基本線は変らない。一聴すると引き出しの多い多彩なイメージで来るけれど、全体像を眺めるとパターンはハッキリしており意外に明快で分かりやすいドラムだと思う。サウンド的にはジョジョメイヤーのような細身な(彼は身体もえらく細身だが、、笑)音を好む僕としては若干違う音だけれど、これはこれで"タイコ"らしい音で悪くないと思う。ニュートラルなイイ音だ。サイモン・フィリップスは、群雄割拠するテクニカルなドラマーの中でも知的なイメージのする人です。実際、リズムの組み立ては練られており、ドラムの作曲と言ったスタンスでしょうか。鍵盤サイドからは好まれそうなドラマーではないだろうか。何となくこうなっちゃいました!というところが少ない、学究肌なところも強み。本作の相方ベーシストは、アンソニー・ジャクソンだが、これまた楽器が違うものの似たタイプと言える。このリズムセクション上原ひろみの組合せは、面子の面白さで決定されているというよりは、彼女が今、やりたい音楽の内容から呼ばれた二人という気がする。

音楽内容もまた、呆れるほど濃くて全体を聴くと腹一杯になるのであるが、僕は天の邪鬼なのでこんなには曲数は要らない。ブルース進行、つまりは7thコードでガチャガチャとソロを弾き倒すのはアメリカのライブシーンにおいては(まあ国内も似たり寄ったりか?)受けるのであろうが、僕はそういうのは辟易としてしまう。このアルバムからそれらを削ると、よりタイトでスッキリとした形。このリズム隊である必然性がより明確となり、聴く側へ向うパワーはずっと高まるはず。テーマの旋律、ハーモニーに素敵なセンスが沢山入っており、上原ひろみの人気の一旦がこの辺にあることが分かって来る。テクニックを聴かせることが悪いのではない。音楽内容に対する感心は多様であり、原理的にこう聴くべき、、という考え方は違っているように思う。ただ、本作の冒頭からの高い音楽性に耳が行くと「徹頭徹尾、こういう現代的なアプローチで通して欲しかった」というのが僕個人の見解です。
(本作をテーマとブリッジに絞り込むと、未だ尊敬する「る*しろう」(但し、かなり以前にリリースされた1stアルバムの頃)みたいになっちゃうのは見えている。それもまたちょっと違うだろうし。音楽造りの難しいところかも知れません。)

ジャケの帯にはこの「トリオ無限大」とある。

次回作は、シンセで大きな空間を演出するとか、音数を極力削った現代的なアプローチをしていみるとか、そういった試みを期待したいと思います。
今回の僕の評は、おそらくピアニスト・作曲家という同じ立場からの、かなり偏った内容であることは確かです。
本作を聴いて「何だ、タカの言うことは充てにならんなぁ」と思っていただいて大いにOKなのです。

る*しろう:インディーズシーンにおいて絶大な人気を誇るベースレスピアノトリオ。天衣無縫な音楽性は止まるところを知らず、共演すると間違いなく突き落とされたものです。おそらくは国内よりヨーロッパ方面の評価が高いのでは?と想像されます。

メシアン/世の終わりのための四重奏曲

もはや現代音楽の古典。意外にプログレなところもある?

この作品に関しては前々から書かなくては、、と思っておりましたが何やら難しく感じてしまい逡巡しておりました。
しかし、気軽なスタンスのこのサイト。本作を囲むマニアな音楽ファンを気にする事なくまいりたいと思います。
僕が、この作品のことを述べたい理由。
それは至極単純なことです。
この作品を深く敬愛しているからです。
本作を宗教音楽の観点から聴くと、一気に事が難しくなってしまう、、とコメント欄にありましたが「ヨハネの黙示録10章」に沿った形で作曲されていると作家本人が述べている以上(コレと言って強い宗教観を持たない一般的な日本人からすると)理解が難しい面があるのかも知れない。また音楽ファンによっては「世の終わり、、」と言っておりながら随分脳天気なところがあり、国が変ればこれほどに死生観が違うの?と皮肉まじりにおっしゃる方もおります。僕は、本作を最初に聴いたのは随分昔のことになりますが、そんなことまで考える余裕はありませんでした。恥ずかしながら、、この音楽を理解することが出来なかった。この音楽がひょっとしたら凄く魅力的で面白いのでは?と思ったのは、ジャズの理論を一通りやってしばらく後になります。音楽ファンの中には、素直に気軽にメシアンクセナキスを楽しめる方がおります。僕はそういう方達にはとても叶わないし、聴き手の偉大さに気付くわけです。僕なんて天の邪鬼の上に、恐ろしく不器用だから音と音との宇宙的な組合せに泥んこ状態になっていた状況からようやく楽しくなって来たのです。メシアンの音楽全体に言えることですが、その造作は数理的であり、緻密なシステムを構築しているところに特長があります。自分の表現に足る要素を徹底的に追い込んだ結果として、この作風があると思います。勿論、他の偉大な作曲家はそういった部分があります。クラシック音楽の中心として誰もが知るベートーベンはその代表格でしょう。それからするとメシアンは現代音楽の古典と言えるかも知れない。そして、僕個人のメシアンに対するアプローチ、その学究的なところ、方法論的なところは一切無視です。メシアンの音を聴くと、そういった雑音(失礼!)が邪魔で仕方がない。この音楽には正々堂々と自分の耳で純粋な気持ちで対峙したい。音楽理論のドロドロ状態など、このさい即行で封印と。
さて、全体8作品を通して聴くと、まずはピアノの造り上げるサウンドが浮世離れしたような世界を展開させていることが掴み取れる。そして全体のサウンドを決めているのがクラリネットという気がして来る。これは聴く人によって違って来ると思います。僕はこの作品によってこのクラリネットという楽器の魅力と可能性に取りつかれてしまいました。
今も周囲の演奏家の中ではクラリネット奏者を贔屓するところがあり、それは本作が理由です。僕は音楽の好き嫌いも、そして聴かれ方も自由であり、そこにルールなど在ってはならない、、みたいなことを事ある度に書いて来ました。しかし、本作を魅力が無いとか、メシアンの作品群においては駄作、と言い切る音楽ファンには申し訳ないけれど、納得が行かない気がします。若い頃の僕のように、こういう現代音楽の免疫がなくて面食らってしまった!というのなら分かるのですが、、。しかし、本作は現代音楽のあまりに専門的かつ独善的な作業の弊害とも言えるタイプとは一線を画していると断言出来ます。そのハーモニーと旋律は、メシアンを小難しい学問の神輿の上に乗せちゃっている近視眼的な帯域とは次元の異なるイメージ世界を展開しております。
それにしても、この作品のカラフルなことには呆れる。カラフルなだけではなく何と言うのか独特の湿度感や室内で聴いているのに微風を感じているような錯覚に捕われる。8曲目に配置される、独特な遅いテンポ感を持つ作品(エスの不滅性への賛歌)が最も好きな作品です。これを聴くと「とても大切な人が次第に遠のいて行く、、そして何時か消え去るその一瞬、こちらをチラリと振り向くのです。」何故なのかそういう絵柄を想像してしまします。本作を構成する楽器は、ピアノ、バイオリン、チェロ、クラリネットとなります。近現代になって来ますと、演奏のキャラよりも作品で聴くという形になる場合がとても多い。ラヴェルしかりドビュッシーしかりと。しかし、この四重奏曲は演奏家によって随分イメージが変って来る。チョン・ミュンフン(ピアノ)のものがグラモフォンから出ており、これを強く推すファンもおります。僕はこのゆっくり目で演奏したアルバムも決して悪くないと思います。が、やはり本作を演奏するためにピーター・ゼルキンが結成した「タッシ」のバージョンが多少ベタではありますが、今のところ打ち止めであります。そのテンポ感、勿体付けない凛とした清涼感が好きです。実際メシアンの演奏指導もあったと聞いておりますが、(特にこういった作品において)作曲家の意図が音の中に入っているのは素晴らしいことだと思います。最後に、ご存知の方も多いかと思いますが、本作はメシアンが仏兵として捕虜になったゲルリッツ捕虜収容所内にて作曲されました。初演もその所内に於いて、という特殊な環境下に於いてでした。この作品が、メシアンが捧げた祈りや、幸福であること、平和への希求が、この作品に根底に在るのだと(僕個人が勝手に)信じております。僕の実家は祖母が熱心な法華さんでしたが、僕はコレといった宗教は持たないのです。その代わり、音楽の神様がいるので大丈夫なのです。その神様というのが、ベートーベンとメシアン。人間臭い神様と、人間離れした二人の神様というわけです。

フィリップ・グラス/グラスワークス

先生はミニマルとは呼ばれたくないらしい!

フィリップ・グラスアメリカ合衆国の作曲家です。現代音楽・ミニマルミュージックを代表する作家と言って良いと思います。ご本人はミニマルと呼ばれるのを好まないらしいけれど、仕方がないでしょうね。スティーブ・ライヒ、ティリー・ライリーと並んでミニマルの代名詞ですから。
さて、遅いタイミングとなりましたが「ミニマルミュージック」を取り上げたいと思います。ミニマルという言葉で本サイトを検索すると、おそらく「ウニタミニマ」が出て来ると思う。この本文にて若干触れておりますので。しかしこの男女デュオとミニマルはあまり関係はない。そういう匂いはするものの、あちらは「超絶テクニカル人力ポップス」とも言うべき国産音楽では希な存在なのであります。

ミニマルミュージックを自分なりに形容させていただきますと、、シンプルかつ禁欲的な小さなブロックを延々とリピートさせ、その楽器の出し入れや、若干の音楽的変化によって進行、構築させるものであろうと個人的に解釈しておりますが、まあそう遠くない形容と思います。
その変化が微小であり、絞り込まれたテーマを繰り返すのが特長で、これを「気持ちイイ〜♬」と変態のメーターが振り切れるか、、、もしくは「何コレ?つまらん!」と途中で針を上げるかは、おそらくは即行で決着が付くタイプの音楽と考えられます。一般的には「現代音楽」に類すると言わることが多いのですが、それを認めないという頑迷な主張もあります。CM音楽にはその要素が多く散見され、ミニマルを知らなくても無意識のうちに耳に入っていることになります。またミニマル自体が、環境音楽的なところがあって、BGMとしてもOKなところがポイントでしょうか。勿論、単なる癒し系のBGMとは一線を隔てております。その効果は絶大ですから、お部屋に何となく流しておく音であっても「人は違うセンスを演出したいという」小難しい音楽オタクにはドンピシャな存在と言えます。

僕はフィリップ・グラス坂本龍一さんのラジオDJで教えられましたが、確かに最初は「随分風変わりな音楽だな!!」と少々驚きました。しかし否定的なところはなく世の中には実に面白い音楽が転がっているものだと感心したものです。その後、自分の音楽に取り入れる要素としては「変拍子の割り方」と共に(笑)最も身近なものとなったわけです。あれから数十年経過してもミニマルの影響はどこかに残しております。さて本作は1982年の作品でグラスとしてはかなり初期となります。このアルバムは評価が分かれており、それは決着することなく先々続いて行くことと思われます。本作を聴かないでもっと後発の作品から聴けば、もっと早いタイミングでグラスの良さを発見出来たのにと臍を噛む音楽ファンも少ないです。
しかし、それほど大袈裟に捉えなくても、と少々呆れてしまいます。
むしろ、このアルバムはミニマルの登竜門として気軽に聴くのが良いように思います。また、長い時を経て、聴きなおしてもそのフレーズひとつひとつに有機質な美しさが練り込まれており、これぞイメージ表現の規範とすべき内容と結論付けております。特に冒頭のピアノのみで演奏される作品と最後に演奏される作品は、楽器構成を変えて異なる絵柄を表しているようで、僕の最も好きなM3に配置された「アイランド」を柱として、キレイな(それこそ硝子のような)対象形を成しているように思えます。本作の作品としての力は、様々な聴かれ方を許容するその大らかさと、音を磨き抜いて、虚飾を排し結果残った音を拾い上げてシンプルに奏でたところあります。

久しぶりで耳にした本作ですが、凛とした姿は色褪せることなく、新しいも古いもなく「時間を超越したところに佇む音楽」と感動を新たにしました。
また、冒頭から音楽に入り込んで行くと不思議に自分が「鳥」になって空から街を見下ろしているような気分になりました。このゆったりと旋回する動きは鷲や鷹のような大きな鳥です。こういうイメージの作用がある音楽は聴く側によって、また同じ人間であってもその環境によって異なって来ます。グラスワークスを聴いても鳥どころか、何も感じない人もいるはずであり、それこそが音楽の面白いところ、興味深い謎です。グラスのファンでさえ本作を駄作と言い切るのですから、やれやれ!です。しかし、皆が皆僕と同じように鳥になってしまうのは少し不気味です。(諸星大二郎の漫画のようでもあり、、笑)趣向というのは脈絡なく規則性がない状態が健全だと僕は思います。
様々な聴かれ方をされてこそ音楽家も本望でありましょう。

Phew/VIEW・ハイファイなPhew? 

ユーザーコメントを真に受けるかどうか?それが問題だ!

さて前回のPhewの新譜評にて「宣伝部長」宣言みたいなことを申し上げたましたので、これは1枚だけのレビューでは物足りないわけであります。それにしても何だろうね、この「ハムレット」みたいな小見出しは?その裏事情からこの本評を切り出して行きたいと考えなのです。
さて、ジャケが気に入ったこともあり本作の購入に踏み切りました(大袈裟!)このアルバムのコメントに「ダメです。これを聴かなくては」と件が在り、それが"強く背中を押した"というのがもうひとつの理由ではありますが(更に大袈裟!!)。このアルバムの受止め方で、聴き手のサウンドの指向、音楽アプローチに対するセンスが分かるという気がします。そう言った意味で本作は「踏み絵」みたいなイメージがあります。まず、最も分かりやすいところで言えばリズムのアプローチです。ドラムが普通にバックを押し上げるPhewを否定するわけではありません。また、、ドラムのサウンド、組み立てるリズムの内容によっては、新しい作品である「A New World」を超えた魅力を得ることは可能かと思います。例えばその昔、彼のレッドツェッペリンがガレージで収録したようなサウンドをイメージして、尚かつドラムはオカズを排除した特異なリズムセンスをリピートするような方法であれば、、、。

つまり、本作の気になるところを正直に言わせていただくと、リズムのサウンドと、そのアプローチが彼女の芸風に今ひとつマッチしていない!と感じます。この「感じます。」がくせ者でございまして、、、。感じ方は十人十色。上記の通り「これを聴かないで何がPhewであろうか?」とまでおっしゃる御仁も居られます。
結局は好き嫌いの範囲に足を踏み入れると、その先は不毛な世界になってしまうのですよね。僕の場合、本作は素直に受止められる曲と、この曲は要らなかったのではないか?とさえ思うものと分けられます。そして全体としてPhewにはハイファイ(死語か?)の色合いは出来るだけ避けたい要素であろうと、勝手に納得するわけです。"音楽においてサウンドが解像度高く鮮明であるということが不可欠"というのは大いなる勘違いです。どのような世界にも例外は(実に小さな欠片かもしれないのですが)声高らかに存在します。音楽制作において使用される器材とアプローチはその時代の様々な環境と相まってアルバム全体のサウンドを決めるわけです。アルバム全体の持つサウンドイメージが数年から数十年後に振り返った時、どのように聴こえるか?というのは音楽家にとって、とても頭の痛いところかも知れません。例えば、サラリーマンも知っていたYAMAHAの名器「シンセサイザーDX7」の音は"造った音"であればそれは素晴らしい。しかし流行に乗り過ぎた音は古い音楽より更に古くさい。そういう音色を無頓着、無意識に使うのは演奏家の深い落とし穴です。本作を聴くとサウンドのどこかに時代の色彩を感じます。そこがせっかくのオリジナルの良さを損ねているのが残念なところです。「ダメです!これを聴かないと」と書かれたコメントは「何をして」なのか。それは彼女が(意外に)普通に歌っているところでしょうか?であれば、僕はこの聴き手さんとは聴いている部分が全く異なると思います。
彼女は「A New World」という僕のような凡人ではとても思い浮かばない「世界」を音というツールを使って造り上げました。その世界とは時間軸が取り払われて夢と現実がゴチャゴチャになったような実に不思議な迷宮のようなものです。音楽はその迷宮構築のためのツールであるというところに共感を持ちます。

今現在の彼女は一人のPhewという作り手に研ぎ澄まされた印象を受けます。アプローチはシンプルを極めて、それがよりタイトでありますが決して小さくまとまっているわけではない。音楽家はどうしても音を注ぎ込むものです。それがまるで宿命であるかのように。であるからこそ飾りを捨て去り鋭く透明な線となる音楽家には心より敬意を持つものです。

如何なる種の音楽であれ絶えず精進し、試行錯誤を繰り返し、無駄を切り捨て研ぎ澄まされて行くという道が朧げながら在るのではないか?と考えさせられます。本作を聴き、そして僕の最も好きな「A New World」を聴くとそのように彼女の音楽家としての深き試行錯誤のレールが反射しているようです。比較して眺めてみる、そして自分の好む方向を認識してみるというのなら「VIEW」の立ち位置は興味深いものです。どのように感じるか?この踏み絵をどのように見るか、踏みつけるか、避けて通るか、最初から見ないか(笑)それによって自分の好む「音楽の造られ方」が分かるかも知れない。どうぞアナタもPhewの迷宮に足を踏み入れてください。

STEPS/PARADOX「K子は今何処に、、、。」

演奏家に必要となる音楽性とは如何なるものか?教えてくれる!
今でもそうですが、僕の「面倒くさがり屋さん」は古来からの歴史がございます。自分のライブくらいならそこそこ真面目にやりますが、人様のライブに行くのが実にかったるい!
街の喧噪に揉まれ、帰宅が夜遅くになるのも好まない。
そんな人間なので、これまでのライブの半分くらいは付合っていただきました女性(奇特な方達です)、もしくは現嫁が「さあ、これは聴きましょうよ!」とチケットを用意してくれたのであります。
どうしようもない人間です。というか「音楽家として如何なものか?」と我ながら疑問を感じるところです。ところが一度入り込んでしまうと、どうにも止まらなくなるのが拙者のもうひとつの側面であり、本アルバムはその典型でございます。このステップスの面子にゲストとして渡辺香津美が入ったライブを同じ高校出身で当時付合っていたK子がチケットを買って来ました。彼女は別れるまでの4年間で4回くらいのライブ行きを勝手に決めて面倒臭いという僕をズルズルと引きずるように連れて行ってくれました。先ほど年月日を調べてみると1982年3月1日の厚生年金会館(新宿)、どうもこれらしいです。
今更ながら胸が熱くなる感じがします。
そのライブと本アルバムの演奏内容はほぼ同じイメージと言って良いと思います。
タイトルが変っている作品もあるようですが、このアルバム自体もライブアルバムであり、自分の心に刻まれた音と不思議なほど重なり、音楽というものが時を超えて訴えて来る美しさに改めて敬服するものです。
このメンバーの中で、今も敬愛するピアニスト・作曲家のドン・グロルニック、そしてテナーサックスのマイケル・ブレッカーは既に故人となられ今は天国にてセッションしていることと思われます。残念なことではありますが、しかしこのアルバムにおいては正に現在進行形で音として生きており、その演奏のあまりの神々しさに心打たれます。頑迷なジャズファンの多い世界で、これは問題発言の恐れあり(笑)と思われますが、ステップス以前・以降でジャズが分かれるとすら僕は思います。それはクラシック音楽において新古典派と言われるバルトークの立ち位置にも似たところを感じます。
振幅を大きくとり、少しくらいの引っかかりやミスは大らかに考え、それを味として消化してしまう従来の(それはそれで否定しないものですが)ジャズとは明らかに違う。音楽は煮詰められており、それはドラム、ベースの低域担当であっても例外ではない。この音楽内容を具現化出来るベーシストと言えば当時、エディ・ゴメス以外では考えられないところだったと思いますし、またスティーブ・ガッドにご遠慮願って、ピーター・アースキンに交代したのもバンドの深化にとっては、どうしても必要な流れであったと言えるでしょう。ガッドのドラムは嫌いじゃないしチックコリアの「妖精」辺りでの彼はやはり素晴らしい。しかし、ステップスにおいて彼のドラムではどこか平坦でバンドのスケールアップに歯止めをかけてしまう。あるファンによっては「ガッドはスィングしていないから」とコメントするが、そういう形容もありか。バンドにおいて如何にドラムが全体イメージを決定するのか!ということを雄弁に語っている例がこのステップスにおいても体現していると言うことになりましょうか。何度も聴いて行くと、これがジャズという形体を借りた、ジャンル不明なコンテンポラリーミュージックという体を成している気がしてまいります。例えばドン・グロルニックのソロや作品に対するアプローチはとてもジャズだけでは説明が付かない。作品はこのユニットを率いたヴィブラフォンのマイク・マイニエリが書くことが圧倒的に多いですが、本作ではドングロルニックがM1、M4を書いており、これが親方に負けずに出来が良い。担当楽器の性質から来るものなのか、ドン・グロルニック作品の方が若干叙情的な雰囲気が強いように思います。余談になりますが、ライブ当時ピーター・アースキンのヘアはまだ若干残っておりまして(笑)、撫で付けた髪の毛がライブ後半になるにつれて逆立って訳の分からないカオス状態になって行ったのが愛嬌でありました。このアルバムは僕にとって単なるお気に入りの作品を通り越しており、クラシック流な形容をすれば、自分にとっての「聖書みたいなもの」に近い存在です。聴いていると、この音楽からスキルを吸い上げたい!という出来の悪いポンプが作動するわけです。そしてコレと言って面白い音楽が見つからない時、本作があるではないか!と言うことになります。出来ればこのメンバー構成でスタジオ版を1枚リリースして欲しかったという気がします。この後改名した「ステップスアヘッド」も決して悪くないですが、このパラドックスのステップスを"イチオシ"としたいと思います。STEPSというとどうしてもK子の姿が浮かんできます。時が止まっており、若いままなのが嬉しいのか悲しいのかハッキリしませんけれど。でもこれって音楽のイイところかも知れませんね。今の彼女が幸せでありますように、、、ということで本日は筆を置きます。

アンドレマルケスは、ブラジル音楽だけでは括れない!

ブラジル・ジャズシーンの先鋭ピアニストを聴いてみる

本作は、ジャズピアノトリオの編成となります。アンドレマルケスは芸風が多彩で形容に若干困るところがあるのです。ブラジル音楽のイメージで本作を聴くと異質な感じを受けるのは間違いのないところ。僕は比較すれば、その幅広い音楽性が余すところ無く楽しめる6人編成のスタンスを評価しますが、聴きやすく、取っ付きやすいのは本作と思います。僕がこのアルバムを買った理由は2つあります。ひとつは偶然通りかかったYoutubeで聴いた(見た)オリジナルの内容に共感を持った事。特にピアノの左手がその役割を十分に発揮したアレンジには、ブラジル音楽やジャズというよりは、間違いなくクラシックの素養を感じさせるところであり、実際ピアノソロアルバムではそれが顕著なのであります。そして2つ目は、リズム隊に最近僕が最も気に入っているドラムのブライアン・ブレイド、ジャズシーンでは説明不要の超絶技巧ベーシストであるジョン・パテトゥチが名を連ねているというところです。
これは、Youtubeでも確認出来ておりましたが、この二人のアプローチにも相当な期待を持っておりました。
結論から言えば、本作にこの二人を入れてアンドレマルケスの音楽として煮詰めるには少々時間が不足していたことは否めない印象です。何しろテクニックがあるので、乗り越えちゃっておりますが、この二人だから何とか形に出来たのかな?という作品が散見されます。特にブライアン・ブレイドは、そのダイナミクスと音楽に寄り添う天才的な瞬発力を持つドラマーですが、その驚異的な音の幅が通常と比較して1/3程度に狭まった印象で、彼としては珍しく平坦な演奏に感じられます。チックコリアから自己ユニット、数多のセッションで活躍する彼であってもアンドレマルケスの作品には少し面食らうところがあったように思います。また個人的見解ではありますが、彼のドラムの良さを前面に出すのであれば、思い切ってテンポ設定を見直す配慮が必要だったのかも知れません。まあ、、しかし作曲家の側面が強いこの天才的なピアニストの持ち物に同情票などあろうわけがない。
アンドレマルケスの音楽アプローチは譜面で細かく追い込むところがあり(推測ですが、まず間違いなく)尚かつ、ジャズシーンではあまり見受けられない現代的な感覚を前面に出すところがあります。その現代的なアプローチは本作でも堪能出来ますが、流石にこれはピアノソロでの演奏となります。僕は上記でふれたピアノの左手に特長を持たせたM3.COALHADA、そしてピアノソロのM7.FERRABENSが本作を支える柱と思います。特にピアノソロは興味深く、これは"現代音楽の寵児"とも呼ばれるリゲティの影響が色濃く、その根底を支える「セリー理論」と相まって、本作の音楽内容を一層際立ったものにしていると思います。
僕の個人的な好みからすると、ピアノの音質には疑問があります。彼が別途リリースしているピアノソロアルバムのような音がほしかった。その質感をこちらに持って来たからサウンドが纏まるか?と言えば、録音がそう簡単なものではないのは分かっておりますが、ピアノは決してハイファイなサウンドだけで成立しているものではなく、実は野暮ったい部分があり、ゴリッとした質感、ピアノの各部から発するノイズをもう少し拾っても良かったように感じます。それによって、むしろ響きとしてはキレイにまとまり、リズムセクションとの間にスッキリとした間を空けることが可能になったという気がします。
本作には、ジャズ・フュージョンよりももう少し柔らかく主張する作品も入っており、全体としてはカラフルな造作です。もう少し聴き込んで行くと、聴き逃していたセンスに気が付くことでしょう。その時は得意の加筆・修正とまいりましょうか。