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東京を代表するプログレユニットFLAT1-22のピアニスト・川崎隆男が力筆?するCD評です。


中学時代を彩っていたひとつの要素「トワエモア」

トワエモア/A TIME FOR US

そのアップライトピアノは小学校4年生の時、引越をする1年前アパートの2階に運ばれたYAMAHA/U1だった。

父の実家に家族で移り住み、僕は随分と田舎に来てしまった(つまり都落ち感、、笑)を感じていたわけです。

今思えば、岩手県釜石市内で引越をして、田舎の中で移動しただけですから、その大袈裟な感性は既にこの少年時代に育まれていたと推察出来ます。

さて、当時YAMAHAで一番小さな初心者用ピアノは、居間の窓側に対して直角に置かれました。つまり風景を見ながらピアノを弾くことが出来たということになります。

庭を目前にして、その後ろ側に雄々しい山々の稜線が見えますが、それは殆どの場合、山裾に霧が発生しており、岩手のどこでも見られる景色とは言え何と恵まれた音楽環境であったか、と思います。音楽を習熟するという点ではこの中央からあまりに遠過ぎた町で生まれ育ったことが後々自分を追い込むことになるのですが(紆余曲折はありましたが)今は単なる過去の残骸でしかなくなりました。もはや音楽は根源的かつピュアなものとしてそこに在るだけです。この窓に直角に置かれたピアノで中学校1年生の僕が弾いていた曲のひとつが「虹と雪のバラード」です。この曲は札幌オリンピックに合わせて制作された企画が先行した曲ですが、そういう説明的なところを抜かしても充分な存在感があります。イントロの旋律、トロンボーンの少しチューニングの悪いところまで何だか哀愁を感じてしまうのは、過去を美化する僕の悪い癖なのかもしれませんが、治癒不可能な浪花節なところです。トワエモアは15年前ほどから活動を再スタートさせておりますが、

Youtubeにアップされているお二人の歌を聴くと基本変わっていないのが何ともホッとさせられるし、あまりの懐かしさで(あのどうしようもなかった)中学時代にワープするようです。芥川さんの声が少しばかり濁声になり、白鳥さんも高音が出難くなりましたが、そこを年を重ねたふくよかさ、温かな振幅とも言えるアプローチでカバーしていると思います。

おそらく打込(プログラミング)など、今風?な制作過程を経てリリースされた本作ですが、そのお二人とサウンドのギャップが意外に楽しいです。

「苺白書をもう一度」というユーミンの名曲をカバーしておりますが、これが白鳥さんの声にハマっており、何とも言い様のない感動を覚えます。僕はこの白鳥さんの声が、国内女性ボーカルの中で最も美しいと思います。

そして60歳をこえられて(失礼しました!)あの堂々たる歌いっぷり。

頭が地に付きそうです(笑)

本作には「虹と雪のバラード」も入っておりますが、アレンジが全く異なります。オリジナルである楽団バックのテイクに拘る音楽ファンも少なくないと思いますが、僕はこちらのバージョンも決して悪くないと思います。上記にも書いたように、昨今のDAW**(デジタルオーディオワークステーション)を使ったカッチリとしたデジタリィな質感と二人の歌との妙な断層が楽しいのです。捻くれた聴き方とは思うのですけれど。

ということで本作は愛用iPodに入れて持ち歩き愛聴することでしょう。余談ながらジャケット写真は、若きトワエモアが「ある日突然」のジャケで使用した同じ場所ということになるようです。これを知ってジャケットを眺めると"ぐっ"とくるところがあります。この二人の表情、、遠い日に想いを馳せ、そして未来へと流れ行く「時」を感じておられたのでしょうか。

 

僕とトワエモアはイメージがつながらない同業者や音楽ファンがおられるかも知れません。しかし、中学生までの自分は紛れもなくこうした国産歌謡の中から作曲の下地となるハーモニーを(手探りで)覚えた事実があります。コテコテの変拍子メシアンをはじめとする現代音楽を標榜する自分ですが、根底に流れるのは本作のようなストレートで分かりやすい温かな音楽です。

DAW:生音である声、管楽器等とデジタル楽器であるシンセサイザー、またエレキギターという出音の仕組が異なる楽器を、PCにインストールした各種ソフトにおいて一元管理し、下地となるオケからヴォーカルまでをアプリに内包されるシーケンサーという時間軸(小節数軸)に音データを記録、ミックスダウンから、マスタリングまでを可能とした現代においては主流となる制作方法のこと。

今でも聴きたくなる・イエス/危機

YES/危機〈Close to the Edge〉

本作は、あまりにベタなアルバム紹介ってことだと思う。最近すっかりジャズ方向に舵を切った自分ではありますが、だからと言ってこれまで好んで聴いて来た作品にそっぽを向くというのも何か人情味に欠けるというか「手のひらを返す」的な感じでどうも具合が悪い。プログレッシャー達のご機嫌をとるわけではないが、ここで一発プログレを代表するアルバムと言っても過言ではない本作を取り上げたい。本作の概要、また知識的なことをベラベラとまくしたてても、それは手垢が数十センチは積もっているくらいの情報が累積されたイエスの代表作ということになり、今更であります。なので切り口をもう少し違った方向から攻めてみますか。

このアルバムの肝となるのは、個人的見解(否!このように聴く人は少なくないか)ながらエレクトリックベースである。クリス・スクワイの描くライン、そしてリッケンバッカーの好みの分かれるであろう音色にある。残念ながら故人となられた名手であるが、一瞬でこの人とわかるベーシストも珍しい。他にと言えば、ジャコ・パストゥリアススタンリー・クラークくらいだろうか。

ギターの領土を浸食するような、えげつないベースであるが、結論を言うと僕は好きな方だ。このギターのようなベースと、コン、コン、とハイチューニングというのかこれまた独特なビル・ブラッフォードのドラムプレイ。このリズム隊があっての本作だと思う。世界に数在るドラム+ベースの組合せの中、突出した個性と言い切れる。

勿論、僕の同業者(と言うにはあまりに失礼ではある)であるリック・ウェイクマンのキーボードプレイも相当素晴らしい。ソロフレーズ、グルーヴ、まあ完璧な曲に対するご奉仕なのである。

うちのバンドのドラマー・佐山さんに言わせるとビルブラのドラムの良さが分かり難いのだそうだ。そして彼のドラムはドラマー以外の楽器奏者からの指示が多いらしい、ということを聞いた。

なるほどなぁ、、と思う。

それはおそらく、彼がドラマーとして演奏しているというよりは、作品を理解してそこに最大公約数的に合致した内容の音楽を紡ぎ出しているからではないだろうか。

つまり、ある意味ドラマーらしくない。通常のドラマーさんとは、バンドに対する考え方が違う部分があり、それがあの例のスタイルに表出しているのでは?と思う。

他楽器奏者(僕もそうだけれど)からの指示が集まるのは、その辺のことと関係しているのではないかと推測します。

言い換えると「キーボーディストが頭を捻って愛用のリズムマシンを打込んだその通りのことを叩いている」ようなイメージでしょうか。

まあ、よく聴けば彼なりのグルーヴが感じられないこともないとは思うのですが。

そして忘れてはいけません、ギターです。このスティーブ・ハウのギター。高校時代にイエスを初めて聴いた時には、その良さが分からなかった。キレイにディストーションがかかるような音じゃないし、フレージングもロックとは少し(かなり)違う。

イエスを気に入るまで時間を要したのは、ひとつこのスティーブ・ハウのギターに大きな原因があったのは確か。

しかし、今、プログレのギターと言えば、この人かロバート・フィリップくらいしか思い当たらない。そのくらい個性的で魅力的ではないだろうか。

最近、ようやく馴染んで来たのがヴォーカルのジョン・アンダーソンである。この透明感のある少年声が、何だかロックに馴染まないように感じたわけです。

しかしです!イエスのヴォーカル、この声でなくて誰が?とも思う。これがジョン・ウェットンだったら(笑)「そりゃ違うでしょうよ!」と。

このようにイエスというのは(僕にとっては)どうにも最初は駄目だったというメンバーがいるわけです。それは他のバンドではなかなかないことであり、別な言い方をすれば、だからこそ長きに渡って飽きが来なかったとも言えるわけです。

ただ、他のプログレユニット同様、イエスも僕にとっては2枚あれば十分かなと思います。ドラムがビルブラでないと、、というのは今もって変らないので、本作と前作である「こわれもの」ということになってしまう。3rdという声もありそうですが、演奏の粗雑なところが散見されて受付けないのです。こんな時はいつも「もっと大らかに聴こうぜ!」と思うのですが、持って生まれた面倒な性分は治療が難しいらしい。

「危機」はどの曲が一番好きというのはなくて、カタマリ1つとして聴こえて来ます。

アルバムというひとつの作品、それはジャケットデザイン、全体基調であるサウンド、曲順、曲をどのように移行させるのか?という境界線の設計からなる構築性など要素は多岐に渡ります。

それらが全てが徹頭徹尾ある方向をしっかりと見据えている。

ピンクフロイド「狂気」か、イエス「危機」か、、という双璧具合なわけです。

特にプログレに興味のない方でも聴いて損のないアルバムだと思います。

機会がございましたら是非!!

これで足りてしまう?-ウニタミニマ/世界の縁

ウニタミニマ/世界の縁(へり)

やれやれ、とうとう僕の本丸に突入ですか(笑)

ウニタミニマ!!!!!

若い頃、とても好きだった。そして久しぶりに(数十年ぶり)聴いたら更に好きになっていた。

これが遠い昔の音楽?

冗談じゃない。この音楽は今も生き生きと聴き手の心に響く。

2人だけで完結する人力ユニット。音楽の基調となっているのはバンド名通りに間違いなくミニマルミュージックが在る。

ミニマルとは、スティーブライヒやフィリップグラスに代表される現代音楽の要素のひとつでです。まあ、この辺は認めない評論家も少なくないですが、そんなことはどうでも良いことかも知れません。

僕はミニマルはやりようによっては楽しく、イメージ表現の大切な要素のひとつと認識しております。

(ミニマルは小さな単位のシンプルなパートを楽器の出し入れ、音色変化等による変化によって進行させる新しい試みです。つまりクラシック一般音楽に反目する、反動として出て来た音楽という捉え方も出来ると思います。)

このウニタミニマは、近藤・ピアノ/れいち・ドラムからなるバンドですが、実は既に今はない西武百貨店内に在ったスタジオ200で彼らのライブを聴いたことがあります。

ですので、このアルバムの殆どの作品は耳にしたことがあり、聴いていて懐かしく気持ちよく、そして相変らず「スゲェ音楽!!」と腰を抜かすわけです。

ピアノのフレーズ、リズムのアプローチ、そして実に小気味よくあんな小柄な女性がと信じられない"れいち"のドラム。

そのドラムは、既成の影響を感じさせない彼女のオリジナルであり、どちらかというキーボーディストが頭を捻って考えたリズムボックスでプログラムしたフレーズに近い、という気もする。

やはり楽器というのは、変に偏らず、あらゆるジャンルからその基礎を構築し、白紙の状態から組み立てを行った演奏家のものが僕個人は好きです。

ひとつだけ気になるのは中盤辺りで若干のパワーダウンと2人の歌に疲れが見て取れることです。音程が下がって来る(笑)しかし、持ち直して後半また凄くなると。

それだけにほんの少し落ち込んだ数曲が惜しいところです。

個人的にはタイトルの「世界の縁」と「」が良いように思います。「世界の縁」の"れいち"のドラムはカッコイイです!

またシンセの使い方(曲で言うと「オルガン」のような)も今も昔も形にハマった使い方しか出来ないアーティストを嘲笑うかのようなスカッ!とするシンプルかつ素晴らしいサウンドセンスです。ピアノ以外に何かキーボードで絡ませるのならこうだろう!というお手本のような才知を感じるところです。

これがこの国のJ-POPの標準だったらと思います。決して難しくないし、素直に聴けば誰でも楽しく感じられる筈。

是非、お試しあれ!!!!

JAKOB BRO / STREAMS 「ドラマーが違うだけで!」

JAKOB BRO / THOMAS MORGAN / JOEY BARON

STREAMS

最近聴くのは、この辺ばかりなんですよね。ECMのこの辺。

先に書いたのは前作となりますが、本作との大きな違いはドラムが変ったことです。

前作がフリゼールっぽく、今回はもう少しナチュラルな感じとなっているというギターアプローチの違いを指摘する方もおりますが(確かにその通りだと思います。)、僕はそれ以上にドラマーの違いが大きいと思います。

前作はヤン・クリステンセンですが、今回はジョーイ・バロンです。

この違いが実に大きい。

ライブ現場で、客受けする要素として最も大きいのはドラマーの力量だと僕は思います。どんなにピアノやギターが気の利いたことをやったとしてもドラマーさんが今ひとつであると、そりゃもう音楽にならない。

ヤン・クリステンセンは70歳です。

年齢によるところから来るのか、ところどころリズムが転んでおります。

しかし、それに何ら影響を受けず、しかも全体としての演奏イメージを、自然に聴かせる演奏をしているのが伺えます。

そして結果としてキャラのある浮遊したイメージを造り上げている。

それが本作より前作がマニアックなサウンドに聴こえる要因になっていると思われます。ドラムがよたっている、それは振幅という範囲を超えて、ちとまずいNG的な(笑)内容です。ハッキリ言って。

しかし、それを「これはわざと作為的にやっているのだ!」ということにしている演奏。そしてまたそれを二度やる気はなかったので、ドラマーはチェンジしたということになったのでは?と思うのです。

ECMも流石にこうした重鎮として存在する演奏家に「ちょっとゴメン、他の人で行くわ!」(笑)とは言えなかったと。

一方、本作のジョーイバロンの演奏を聴くと、そらもう目からウロコな演奏で、パート毎に完璧なフレーズとアイデアを叩き込むわけです。

残る2人のメンバー、もしくはプロデューサーのマンフレート・アイヒャーが「音楽が望んでいるであろうドラマー」を欲したということになります。そりゃそうだ。僕だって間違いなくそうします。

ヤン・クリステンセンの演奏にもとても良い味わいがあるので、そこは実に惜しいところだとは思います。

この作品は、JAKOB BROというギタリストがなかなかのメロディメーカーであることを証明するかのような内容です。

しかし、だからと言ってサウンド的に面白味がないのか?と言えば、そんなこともなく、聴いて行くと、歪み系でありながら素敵な音も聴ける。

それは、バッハ的な対位法を使いつつ魅力的なタイム感覚で演奏される「Full Moon Europa」で顕著です。

何度か繰返して聴くと、このユニットはパッと聴きはサウンド指向で、環境音楽的のようにも聴こえるけれど、その実態は、緻密でしっかりとした構成力のあるバンドであることが理解出来ます。

その分かって来る過程がまた囁かな楽しさが在ります。

調度これを2度目に聴いた時は、帰省した釜石から東京に戻るところでした。釜石駅から急行「はまゆり」が離れ始め、釜石の町並みを左に見ながら、パノラマが回転するように郷里が離れて行くと、あまりにそのサウンドがハマってしまい目頭が熱くなってしまいました。因に曲は「Opal」でした。

でも、こういう音楽は真に美しいのだと思いますし、また奏でている彼らを敬愛せずにはいられません。この音楽が世に出て良かったと心から思います。

ひとつ興味深いのは、前作「Gefion」の名曲「Oktober」、リズムが転んで残念だった「And they All Came Marching Out or The Woods」等もリアレンジしてジョーイバロンで再録してみてはどうか?ということです。

ライブ収録でも良いのですが(Youtubeで聴くことは出来ますが、案の定素晴らしい!)、是非お願いしたいと思います。

聴くと胸が痛くなる / 荒井由美・MISSLIM

荒井由美/MISSLIM

放課後、一番前の席に座る僕の目は黒板の左下に小さく白いチョークで書かれた「ベルベットイースター」という文字を追っている。

何それ?何かのタイトル?

恥ずかしそうに消え入りそうなその字体は今も心に刻まれている。

ピンクフロイドやキングクリムゾン、そして新しくイエスを聴いていた矢先の高校三年生の自分。受験などどこ吹く風。自分の将来のことなど何も考えなかった時代だ。

気にするのはバンドが下手なこと、恥ずかしいから止めて!!と妹に言われて、こちらこそ恥ずかしい気持ちでいっぱいだったこと。それだけが胡桃大の脳のほぼ全てを多い尽くしていたのだが、年寄りになった今もさほど変ったとは思えない。

三無主義の時代と言われた僕らの時代だ。三無とは何か?

こんな年寄りになってようやく調べた。無気力、無責任、無関心を言っていたらしい。これに無感動を加え四無主義とも言う。

世相がこういう言葉を捻り出すが、実際の若者がこれに当て嵌まるかどうかは別の話である。このように見える当時の頑迷な年寄や猛烈と言われた企業戦士から相対的に眺めてそのように感じた(見えた)だけだと思われる。

実際のその三無主義と言われた僕らは、なかなかに熱を帯びていたはずだ。

しらけの世代と言われたのは、ポーズ、見せかけであり、その実際は野暮ったくて、やる気満々の照れ隠しというのが本当のところで、その捻くれ具合と天の邪鬼は現代からすれば微笑ましく、ピュアな時代と言い換えても良いとさえ思える。

さて、本作の脱線具合は凄過ぎるか(笑)この「ベルベットイースター」のことを誰ともなく聞出して、それが荒井由美の曲であると知るのは確か一週間後くらいだっただろうか。夕暮れ時、ラジオから聞こえて来たのは確か「十二月の雨」だったと思う。

「うわっ、、変な声!!」(大変失礼)というのが第一印象だった。しかし、どうしてもアルバムを買ってその音楽を身近なものとしてみたかった。

当時、レコードを買うのは釜石市の青葉通りの四つ角近くに在った「レコードユキ」だった。少し可愛らしいお姉さんがレジに立っているのだが、いつもすこし機嫌が悪そうなのが特長だ(笑)。「ミスリム」を手にしたとき、まずジャケが気に入ったことを覚えている。ただ随分老けたおばさんだな、、というのが第一印象で、この感じ方は実は今も変らない。このジャケのユーミンは妙齢のご婦人みたいである。またそこがとても良いのであるけれど、そういうところに気が付くのはもっと後年である。このように最初のユーミンは必ずしも好印象というのではなかった。声質も、そのお姿も、、高校生の青い僕には理解出来なかったのである。

しかし、とにかくその黒板のベルベットイースターが僕にまるで「音楽のお札」のように強い念動力でレコードに針を落とさせるのである。毎日、帰宅するとこのミスリムを聴いていたと思う。実際はこのベルベットイースターは1stアルバムである「ひこうき雲」に収録されており、ミスリムには入っていない。そこはおそらくガッカリしたに違いないが、結局後にこちらも買うことになるのである。本作は「ひこうき雲」と比較すると、更に洗練されている。それは旋律の描くライン、それからバックのティンパンアレーの御大達、またヴォーカルとしてのユーミン、全てが、、である。

作品として優劣を付けるのはこの2枚では行いたくないしあまり意味がないと思うけれど。そして極めつきのソングというのであれば、ミスリムの「海を見ていた午後」と「私のフランソワーズ」ではないかと個人的見解ながら思う。

バックの演奏が秀逸であることは折りにふれて言われることだが、その中でも特にギターの鈴木茂の奉仕度数?がひじょうに高い。あのポヨーンという柔らかなマシュマロみたいな音、ソロで聴かれるヴォーカルに負けない、それでいて変に主張し過ぎない、しかいよく聴くとはやり主張している(笑)その匙加減、作品が彼にそう弾かせたのか、彼がそういう才能なのか、、それは僕も分からないが。何しろこのギターあっての、という感じはする。

ミスリムは、作品・アレンジ・演奏・歌・レコーディングの質感、そういったアルバムに関係する要素全てが理想に近い形で結実した傑作と言える。

聴いていると、繊細な少女漫画(それは例えば大島弓子のような)と記録映画が混在したようなある種の浮遊感を持った世界に誘われる。

感動をもたらす音楽は、自分をイメージの旅に連れ出す乗り物のようなものだ。

本作を聴いていると時間が止まり、忘れていた過去にワープしているような感覚となる。それは感傷的なところもあるが、しかしその温度感は決して冷たいものではなく、温かな微風のようでもある。風は世界を巡っている。過去、自分に触れた風は遠い時間を経て自分に出会うことが希にある。そんなとき、人は忘れていた過去を条件反射的に思い出す。ミスリムを聴くとそんなことを考る。

ミスリムは自分にとって、ビートルズと同じくとてつもなく大切な作品です。

滅多に聴くことはないですが、それでも何時でも心の隅に根を下ろしている感覚があります。本作がこの世に在って良かったと思います。

ヤコブ・ブロ/Gefion「踏み絵」のような?〈加筆・修正〉

まず最初に〈加筆・修正〉とお断りを入れたのは、数回聴いているうちにこの作品に対する自分の感じかたが大きく変わって来たからです。こういうタイプの音楽は少し時間をかけて余裕を持って接したいものです。

ECMと言えばこんなジャケット、というお約束のデザインですが、素敵ではあります。内容としっかり合っているか?と言えば、合っているような違うような、、気もしますが、とりあえずこのジャケットデザインも手に入れた理由のひとつですね。

今もって、ジャケ買いありの自分です(笑)

ECMってのはこういうイメージ構築が一環しており、それは上質で透明感のあるところで歩みは一定なのです。ここまでハッキリとした打出が出来るのは簡単そうで実は大変難しいことだと思います。そしてまたそれを可能にしているのは、音楽制作に於ける殆どの要素がマフレードアイヒャーという一個人に帰結するところがあるからです。

このアルバムもまた実にECMそのものです。それはECMのもしかするとアキレス腱なのかも知れません。良い意味でも、あまりそうではない意味でも。ECMからリリースされた作品を聴くと、そのアーティストと同時にECMというイメージが既に横たわっているところがあるから。サウンド、ジャケット、そしてアーティスト。下手をすると、そのアーティストを聴いているというよりはECMを聴いているという気がしてしまうと。

そういうことで僕は、このレーベルの音楽を年中聴いているわけではないのです。意外な程時間の空きが大きい。でもそれはそれで良いのでしょう。たまに「そうだ!ECMの音楽が聴きたい」と気が付いて、アーティストや作品を探してみる。それもまた囁かな楽しみというわけです。

 

さて本編にまいりましょうか。ヤコブ・ブロはデンマークのギタリストです。楽器編成はギター、ウッドベース、ドラムというギタートリオです。因にベースは Thomas Morgan、ドラムはECMでは中心的な存在でもある Jon Christensen という布陣です。

まず全体像。聴いた後の生まれた言葉としては「浮遊感」でしょうか。強い音で押し倒すようなところは殆どなく、浪々と、先を急ぐことなく音楽を進行させる。こういう音楽の押出し方には、とても合う楽器構成だと思います。ギターという楽器がそういう浮遊感を押出すのに適しているところがあり、例えばビル・フリゼールなども同じ方向の音造りだと思います。

僕みたいなせっかちで落ち着かないのとは正反対の音楽でもあり、聴いていて何だか妬ましいような、「ずるいよ!それ!!」と言いたくなるような(笑)脱力した演奏内容です。

これを今日、2回それぞれ通して聴いた。1回目はお昼を食べに成増駅近くに歩いて行った時。2回目は夕暮時ウォーキングのBGMとして。

そして、これは聴く度にその音楽の味わい深さ、イメージ表現の素晴らしさが身に染みてくる作品であることが分かるのである。

ベース、ドラムのアプローチは、このサウンドに徹頭徹尾奉仕する。

けたたましいテクニックや、音数勝負の表層的な音楽とは一線を隔てるタイプの気高い音楽だと思う。

ヨーロッパではこうした音楽を普通に聴かれるし、人気を集める。というかこういう音楽を好む人達がしっかりと根付いている。

聴き手を驚かすような仕掛けがあってもこの音楽は揺るがないだろうという気がする。が、しかしこの音楽が求めているのは、おそらく心理の共有みたいなものだろうと思う。対象となる空気感、寂寥感、温度感、湿度感、吹く風の表情、それを感じ心に沸き上がる言葉には出来ないとても微妙な動き、それを共有する。

もちろん、それは共有であって、共通の認識ということではない。イメージはあくまでも個人の心の旅から生まれるものであって演奏家の伝えるベクトルから方向や形を変えることを自由なものとするのは当然である。

音楽家が聴き手にこのように聴いて欲しいと考えるのは自由だが、しかし聴き手もまたその感じ方と楽しみ方は同じく自由なのだ。そこに各々が持つフィルターが介在して音楽の方向は最初直線だったものからあらゆる曲線へと変容していく。その音楽家と聴き手側の断層というのか、イメージの変換とでも言うのか、それこそが演奏音楽の醍醐味というものだと僕は思う。

フリーミュージックにもありがちがだが、もう少しシンプルで輪郭のハッキリしたラインが欲しいというところはある。そして、その後ろ側でベースやドラムがこうしたアプローチをすれば、サウンドにコントラストが生まれより立体性を生むのではないか?と個人的見解ながら思う。

ただ、それは実に受動的な聴き方とも言える。より耳を澄まし想像を膨らませつつ接してみるとか、もしくは先ほどの散歩に帯同させるとこの音楽は途端に生命力を増す。そして何時も見慣れている風景の違ったところ気が付いたり、歩いているという感覚がいつもとは違う半分夢の中に入り込んだような気分になったりする。僕もそういう「作用のある音楽」を目指して久しいが、言葉で言うのは簡単であり随分と難しいものだ。

こういった音楽を構えないで、なにか環境音楽のように部屋に流しておく、という飄々とした聴かれ方でも良いと思うが、実はこの音楽、例えて言うなら北の大地に根をはる巨木のような強さを感じる。

「自分はこう言う音楽が好き、他人は関係ない。」

出る杭は打たれてしまうどこかの国とは明らかに違う国。そういう文化といったら大袈裟だが、そういう世界から発信された音楽という気がする。

この音楽を聴いて何だか、ポヨ〜ンと音が浮かんでいるだけでつまらない!「一体何コレ?」で、針を上げてしまう人も少なくないかも知れない。つまり「その聴き手がどういう音楽を求めているのか」という"踏み絵"みたいなところは確かにある。

もちろん、一聴して昔のキンチョーの宣伝(大滝秀治さんの)のように「つまらん!」で終わってしまうのが悪いとは思わない。実際、ある角度から眺めたら、それもまた正しい。

しかし、そこを少しだけ我慢して2回目を行って欲しい。そこにはハッキリとしたテーマがあり、虚飾を排した静謐で他ではなかなか聴けない音楽が在るのだから。

それにしてもだ。ギターという楽器があらためて良いサウンドを造るものだと感心のである。

そして、この作品は「なるほど自分がギターに縁がないわけだ!」と言うことをやんわりと教えてくれる。自分がギターという楽器に望んでいたことには大きなズレがあったという残念な事実。やれやれである(笑)

GoGo Penguin / 最近のピアノ音楽事情

GoGo Penguinはピアノトリオです。

V2.0

新しいジャズピアノトリオ等とネット検索すると出現率の高いバンドです。

本作は何やらソフトのバージョンのようなタイトルが付いております。

自分の勝手な思い込みで米国のユニットと思い込んでおりましたが、イギリスはマンチェスター出身となります。

そういうわけでもないのだろうけれど、音楽の色彩が少しダーク。陰影に富んでおります。そういう少し物憂い色調を好む向きはハマる可能性があります。

このバンドをジャズの括りということを持ち出すのはあまり意味がないでしょう。惜しくも不慮の事故で亡くなられたピアニスト「エスビョルン・スベンソン」の率いる「E.S.T」であればジャズの端っこくらいには入りそうですが、、でもあれでも大分違うところがあります。

僕は、この種のピアノユニットが出現して来たのは"自然発生的"なことだと思います。こういったタイプのバンドは他にも少なくないので、いずれ何か括りとしての言葉が生まれそうな気もします。

E.S.T、それからベースレスのサックストリオであるMAMMAL HANDSも同じ系統と言っていいか。勿論、音楽内容としては違うが、根っこのところでの大切な要素、そのいくつかに近似性がある。

自分としては、こういった中でこの本作を演奏するGoGo Penguinが一番好きかも知れない。

そしてそのリリースしたアルバムの中ではこのv2.0が聴いていて気になるところなくスーッと心に入って来る。他作品ではベースのピッチに違和感を感じたり、ハーモニーの取り方に疑問を持つところがあったりと、すんなり入り込めないところがあったのだけれど、本作はOK。また2016年リリースの「MAN MADE OBJECT」と比較しても、力が抜けており、飄々としたサウンドでうるさく感じない。

リズムに工夫があり、ドラムンベースやラテン的なフレーズを入れるところがあるが、そのセンス自体はとても好ましいが、時としてガシャガシャとして雑然となる傾向があると思う。その点、この作品は不思議にスッキリしているように(個人的には)感じられる。録音の状態(使用したスタジオ、エンジニアのセンス、収録時のメンバーの調子)にもよるのかも知れない。

このバンドの強みはその作品力にある。演奏も決して下手ではないが、聴いてすぐにこのバンドと気が付く強みがある。

これは最も大きなポイントと言ってい良い。

ジャンルもバンドも関係なく、たとえクラシックのオーケストラでも、聴いてすぐに"アレ"と分かる事ほど得難いものはないのだ。

音楽ファンが聴いて、勘違いして他バンドとごっちゃにされては音楽家も考えた方がいいだろうし。演奏は作品の下に位置するのだ。いくら優れた演奏力を持っていたとしても作品に力なければ、その演奏は力が在るだけに押し付けがましいだけの雑音にしかならないだろう。

既存のスタイルのかき集め、、音ネタのまま自分の中で咀嚼し吸収出来ないまま差し出された音楽ほど、聴く者にとって迷惑なものはない。

さて、、またまた脱線してしまいました。(@д@)/

このバンドはこれからが問題だと思う。スタイルはしっかりあるが、作品をただ連発していくだけではこのテイストでは飽きられてしまうかもしれない。それも意外に早いうちに。「たまに聴いてもらえばOK」とメンバーが考えているのであれば、それでもいいが彼らの若さから想像するとそうは考えていないだろう。ドラムの工夫から比較するとピアノとベースの工夫が少し足りていない感もある。この辺を慎重かつ大胆なアプローチで乗り切って行ければ、まだ先はありそうだ。

日本国内でも既にハマっている音楽ファンが少なくない。

やはり新しい音楽を渇望しているファンは多いのである。僕も音楽家の端くれだが、愛だ、恋だ、というソングもいいけれど、こうした演奏音楽にも耳を傾けて欲しいと願う。そういった音楽は言葉では到底表現の難しいささやかながら"美しいイメージ"があるのだから。