読者です 読者をやめる 読者になる 読者になる
東京を代表するプログレユニットFLAT1-22のピアニスト・川崎隆男が力筆?するCD評です。


もっと評価されるべき "ショスタコーヴィチ"

ショスタコーヴィチ:交響曲第5番

映画音楽のルーツがここにある。

さて、遂にショスタコーヴィチ御大の登場です。
ロシアの誇る近現代作曲家、クラシックの長き歴史の中でも間違いなくベスト10入りする大作曲家でしょう。
その作品の中で最も有名な作品がショスタコーヴィチ:交響曲第5番となります。

高校時代、吹奏楽部でユーフォニュアムをやっていた友人に薦められて聴いたのが初めてのショスタコでした。後々知ったのですが、実は彼が聴いて欲しかったのは4楽章であり、僕は陰鬱で灰汁の強い1楽章を我慢して聴く羽目に。
いやぁ、、ピンクフロイドの狂気も驚いたけれど、この"ショスタコ"も「何て暗くて気持ちの悪いサウンドなんだ」
とかなりゲッソリした記憶があります。

しかし、何故か惹き付けられるところがあったのか、結局何度も聴く羽目に。
僕の実家は釜石市鵜住居町というところです。高校時代、駅前に本屋さんがあって、そのお店の小さなスペースにレコードが置かれていました。
クラシックは廉価版が置かれていて、僕の小遣いでも購入可能でした。
僕が買ったのは(それしかなかったからですが)ボーンマス交響楽団、指揮者はコンスタン・シルヴェストリという方でしたが、裏表紙に書かれたライナーノーツによると、急逝してしまいオーケストラは後任のことで困っている、とありました。

ショス・5」に関しては、この演奏が僕のメートル原器です。

レーナード・バーンスティン+ニューヨークフィルのものが有名ですが、僕はどうしてもこの最初に聴いたものと相性がいいようです。
不思議です。これを聴くと、あの頃の自分と出会えるからなのでしょうか?

1楽章 重く陰鬱で、まるでざっくりと刻まれた漆黒の彫刻をイメージしますね。こういう旋律を書ける作曲家の強い意志・自制心を感じ圧倒されます。後半になるとスネアの特徴的な連打でテンポ感を演出して、この楽章を色調豊かなものとしております。そのアレンジの妙に引き込まれます。

2楽章 一転して明るく奇天烈な3拍子系となり、まるでサーカスのピエロのようです。このセンスは他の作品でもよく聴かれるショスタコ節の定番的なところでしょう。

3楽章 個人的見解ではこの作品中最もインパクトの強いパートです。おそらくロシア人でないと、こういう雰囲気は造り出せないだろうという響き。ロシア特有の季節感溢れる楽章ですが、圧倒的に旋律が美しく、特にハープをバックに演奏されるフルートは秀逸と言えます。またこの楽章の本作品の中で、最も精神性の深いところを感じます。

4楽章 分かりやすい楽章。華やかさを持つフィナーレです。ロシアの大地を感じさせる雄大なスケール感。ティンパニをはじめとした打楽器、特に金管楽器のアレンジは素晴らしい!という他はないです。

それにしても、ぶつかり合う対旋律からあれよあれよとキレイに解決するラインの構成は、筆舌につくし難く、バルトークとの近似性を言われることが多いですが、やはり違うと思います。
ショスタコは若い頃、無声映画の伴奏を仕事にしていたそうです。

その影響が作品の随所に出ているのでは?と思うのですが、考えてみれば昔のアメリカ映画やTVドラマ、例えば「名犬ラッシー」や「逃亡者」等の音楽はショスタコのようであったと記憶しています。というか当時のアメリカの劇伴をやっていた作曲家は、ロシアの作曲家、ショスタコーヴィチプロコフィエフ、更にストラヴィンスキー辺りから
少なからず影響を受けていたのでは?と推測されます。音楽と映画、音楽と絵画はどこかに接点があり、深くつながるところがあるのでしょう。

この交響曲の3楽章を聴いてみてください。
映画のワンシーンに自分が置かれているような気持ちになります。
一生に一度で良いから「こんな作品を書けたら」と何時も思います。
しかしこの当時のロシア(ソ連)社会の圧迫や、政治情勢のことがこの作品のキャラを決めている部分があるのは確かです。
音楽は、少なからずその時代の世相を反映するものだと思いますが、
本作品でも「政治の関与」つまり、、プラウダ批判のことが必ずと言っていい程、説明にあがる。
この曲によって当局の批判に晒されたショスタコは名誉を回復したとある。

事実はそうなるのかも知れないが、僕はそういうことを、この作品に持ち込みたくはない。音楽を行うということは、本来音楽本意であるべきで、政治がそこに介入することは音楽の存在そのものを否定していることに他ならない。
僕はこの信じられないほど素晴らしい作品を(ショスタコ本人がどのような気持ちで書いたにせよ)純粋にイメージ表現の具現化として受け止めたいと思うのです。

今日は少し重くなってしまいましたね。
でもたまにはいいでしょう♬

ジャケが、、キングクリムゾン/宮殿

クリムゾンの連中は今も宮殿で暮らしている?

実は僕、文通している方がいます。素敵な方ですが変な関係ではないですよ。アメリカに居住の音楽友達です。
その方が珍しくプログレッシブロックにお詳しい。

鼻歌で「風に語りて」を歌ったりするらしい(笑)
だからこその得難い友達なのですが。
風に語りて、「I talk to the wind」超名曲ですね。これが入っているアルバムと言えば、「宮殿(In the Court of the Crimson King)となります。カッコ内の"In The Court Of The Crimson King"が正しいタイトルですが、僕は「宮殿」という邦題の方が何とも言えないイメージを感じますね。

すこし野暮ったくて、生暖かく適度に湿っているというのか。

それにしてもこのジャケットです。僕のCD評に登場する「レコード・ユキ」。いつも少し機嫌が悪そうな、そして微妙に可愛いお姉さん。彼女の立っているレジにこのレコードを持って行くのか実に、何と言うか大変な気持ちでした。(当時、釜石市のスポーツ用品店「田丸」の傍に在ったと記憶しております。)
ピンクフロイドといい、クリムゾンといい、何故にこうもガイキチオヤジがお好きなのでしょうか?この真っ赤な顔、口をあんぐりと開けてノドチンコまで見えております。この顔色、どうしたって血圧ヤバそうですよね?ジャケに登場している場合じゃないす。すぐに病院に行った方が良さそうです。
1曲目の「二十一世紀の精神異常者」からすればジャケのイメージ通りですが、他の曲が美メロ揃いなだけに今でも違和感があります。でも、インパクトが凄いですね。国産アルバムでは難しいデザインかも知れない。

プログレ界のご多分に漏れず、メンバーチェンジの多いバンドですが、ファーストアルバムの本作ではベーシストがグレグ・レイクですね。彼は、結果的にELPに落ち着くわけですが、決してクリムゾンに合わなかったというのではないです。むしろ後発のJ.ウェットンよりも僕は好きですね。
J. ウェットンは決して下手ではないけれど、何時も声が苦しそうで、僕は喘息でひどい目にあった少年時代を思い出してしまいます。ベーシストとしてもグレグ・レイクの方が好きです。ですが、このベースがロバートフィリップの気に入らないところだったらしく、脱退(クビ?)の大きな要因とも言われております。

2作目「ポセイドンの目覚め(In The Wake Of Poseidon」ではベースがピーター・ジャイルスにチェンジされています。因にこの2作目のジャケはなかなかの秀逸だと個人的には思います。

ベースはこのユニットの鬼門というのか、次から次へと変ります。よく隠れた傑作と評価される「アイランド(Islands)」では、ボズ・バレルのヴォーカルを推すクリムゾンファンも多いですが、彼もまたベーシストであり、その後、バッドカンパニーへ参加することになります。因に彼にベースを教えたのがロバート・フィリップであったということです。


余談なりますが、この中でも特に人気のある「エピタフ(Epitaph」はザ・ピーナッツがカバーしており、これはYoutubeで聴くことが可能です。なかなか凄い世界ですよ。演奏も忠実にコピー(特にドラム)しているところがり、ピーナッツのお二方の歌がまた素晴らしい。
和風「エピタフ」是非に、ご試聴トライしてください。

https://www.youtube.com/watch?v=Y21_bGNsKVo

原曲のイメージをちっとも損なっていないと思います。しかもライブ。良き時代ですね。西城秀樹さんやフォーリーブスも歌ったそうです。

このアルバムが名盤と言われる理由は、ジャケデザインを含めその要素は色々だと思いますが、突き詰めれば分かりやすい旋律ということになると思います。
語弊があるかもしれませんが、浪花節、更に語弊を恐れずに言えば演歌調と。

「宮殿」から始まったこのユニットは 「RED」を区切りに活動を停止するわけですが、この分岐点となるアルバムは、三人(R.フィリップ、B.ブラッフォード、J.ウェットン)で成立させております。これが先々再生されるクリムゾンの萌芽と捉えることが出来るかもしれません。新しいクリムゾンは(僕個人としては)理想的なメンバーで構成されておりました。トニー・レヴィンビル・ブラッフォードのリズム隊を主軸とし、エイドリアン・ブリュー。そしてクリムゾンの歴史そのものであるロバート・フィリップ。クリムゾンの長き歴史の中でもこの時期が最良だったように思います。
ミニマル、ポリリズムを多用し、よりソリッドで隙間の空いたサウンドでコンセプトを明確なものとしました。黎明期と比較するとこれが同じバンドか、と疑ってしまうほどに異なるサウンドです。僕はどちらかと言えば新型クリムゾンの方を好みますが、それでもこのバンドの根底に横たわるのは、紛れもなく「宮殿」なのだと思います。

 

本作はサックスやフルートなどの管楽器を配置して、全体としてカラフルな色調です。ドラマーのアプローチはジャズに触発されているのか、ロックの括りだけでは語れないセンスが散見されます。また、とにかくどの曲も旋律がキレイです。この分かりやすいキレイな旋律が在るところがクリムゾン初期の良きポイントだと思います。

一柳慧/交響曲第8番─リヴェレーション2011         室内オーケストラ版

現代音楽に取りついたイメージを払拭してほしい。
一柳慧:交響曲第8番─リヴェレーション2011 室内オーケストラ版

紛うことなき現代音楽作品である。
僕は一柳の音楽は(本人の演奏による)ライブで聴いたことがある。高橋悠治と「不屈の民」で知られるジェフスキーも出演しており、この夢のような巨人三人によるコンサートに接したことが今は、朧げな夢のようにも感じられる。

あの時、高橋悠治はサンプリングに興味が行っていたのか、Roland社の新型S50を使ってサウンドコラージュ的な音楽を作っていたが、三人の中では一番つまらなかった。
本当は高橋悠治が出演するから飛びついたライブだったのに、結果として一柳の自作自演が最も相性が良かったように記憶している。
ジェフスキーの「不屈の民」を聴くことが出来たのも良かったが、それはどちらかというと絵画展で貴重な絵を見るような感慨に近いものだった。個人的に作品自体がそれほど好きというわけではなかったので自然、消去法的に一柳の作品に目(耳)が行ったのかも知れない。

しかし、そのライブを起点となり彼の音楽はどこか自分と相性が良いということが刷り込まれてしまったようだった。一柳の音楽は電気楽器を使用したものから、本作のような現代音楽の中に於いて比較的ニュートラルな内容まで、殆どの作品に拒否反応が出ない。普通にすんなりと入って行ける。耳を峙てて聴くこともあるが、環境音楽的に何となく部屋に放流していることもある。聴き方を選ばないところが良いところだ。

本作で作曲者は、以下のように説明している。
『「西欧文明の普及によって葬り去られ、忘れられつつある古来からの特異性の上に育まれてきた日本固有の考え方や、生きるための知恵や経験を、これからどう受け継ぎ、再生させてゆけるか」と自問しながら書き上げた』
述べた内容は理解出来るが、実際音楽を聴いて、そう言った自問自答、試行錯誤がどのようにこの音楽内容に結びついているのか? 僕には、分からなかった。
また、分かろうとしなくても良いような気もする。それは一柳が作曲するさいに、そういう思考が働いたということであり、作曲家の手を離れた音楽は、聴き手の 自由意志に委ねられるのであるから。わざとひどい表現をするが「奥様との夜の営みのBGMにピッタリ良い」と評されても、作曲家は「う、うん、ま あね」とか言って認めなければならない。そういうことだ。

この人の音楽は殆どがそうだが、意外にサラリとしていて邪魔にならない。
現代音楽なので、わけが分からん!という場面も無いわけではない。しかし、そういった場合でも、不思議なことに質量の軽さを感じる。
上記で述べたように、薄く部屋の空間に漂わせておいても何ら問題ない。造詣深き現代音楽の専門家や音楽ファンには叱られそうだが、しかし現代音楽が気軽で楽しく聴かれるようにならないことにはこのジャンルの未来はないと思う。作曲家のあまりに独善的かつ専門性の高い作業に、社会的な評価はなかなかリンクしてこないだろう。


このアルバムは室内楽という小さな編成で、空間的なアプローチでより大きな宇宙を構築する後半のプログラムと、前半の弦楽四重奏という組み合わせだが、この弦楽四重奏も巨匠流石のアプローチで退屈させない。バルトーク弦楽四重奏と近似性を感じさせるところがあって、そういう観点で聴くのも楽しい。
僕は、例えばビトゥイーン・スペース・アンド・タイム 室内オーケストラのためので聴かれるような"突如として冷たい風に吹かれたかのように"出現するピアノの使い方が素晴らしいと感じる。
こういうハッ!とさせるところが一柳音楽の素敵なところだ。
最初は取付きが悪くても、自分なりにここは面白いな、、というパーツを探し出して理解の幅を広げていくと良いかも知れない。先々、それはひとつのカタマリに向って行くとと思う。

一柳作品は、特にピアノ関係、それから打楽器、マリンバ等を使用したものに内容が感じられる。
ピアノも構造上、演奏上において打楽器の一種と捉えることが出来るけれども、もしかするとお好きな楽器がハッキリしているのかも知れない。
現代音楽は最初から無理と決めつけないこと、そして先入観を持たないで素直にアプローチすると良いです。

本作も何回か聴くうちに座右の一枚となる可能性は秘めているが、やはりこの魅力的な編曲の上に何か魅力的なシンプルな旋律が在ったらなぁ、、と思ったりもします。
武満徹は、テレビのニュース番組のサブタイトルで使用される歌を作曲し、NHKのドラマ「夢千代日記」のテーマ音楽も記憶に残っている。
三宅榛名は、その昔、民放のドラマ「父母の誤算」のテーマを書いたが、あれもまた素晴らしかった。現代音楽作曲家は分かりやすい例で言うと「伊福部昭ゴジラ」のように、半端ではない底力があるわけなので、もっと積極的にTV、映画の仕事をしていただきたいと思います。それから補足的にジャケデザインですが、これはこれで(現代音楽としてのイメージとして)決して悪くないのですが、もう少しイメージを想起させるような例えばECMの一連のジャケデザインなどを参照にセンスを出していただきいと思います。音楽本体が素晴らしいだけに惜しいところだと思います。

現代音楽の寵児・リゲティ/エディション3

「現代音楽の寵児」実際リゲティは、度々このように紹介されます。
聴いて楽しめる現代音楽とも言える。
リゲティという名を初めて聞いたのは高円寺のライブハウス「ペンギンハウス」に出演した時だった。「懐かしく、遠くなってしまった世界だなぁ」と思うけれど、随分やらせていただいて腕を磨くことが出来た。FLAT122(検索すると何か出て来るかも知れません)はこの場所で、音楽を育んで行ったと言っても良いだろう。

リゲティ・エディション3 ピアノのための作品集

そのライブが終わって機材を片付けていると、PAのSさんに(Sさんは既に居なくなったが)「セリー理論で音楽やってるの?リゲティとか好きなんだ。」
そう言われたのである。
僕は「あぁ、、、うん、、まあ」とか言ってごまかしたが、後でこっそりCDを聴いて気に入ったのである。
この知ったかぶりから、出来るだけ速く調べてCDを聴くのが肝要である。そのタイムラグが小さいほどに僕の罪悪感は薄れるのである。それにしてもリゲティと出会って良かった。

 

リゲティ。まずは、その作品力においては頂点に類するであろうと思う。
他現代音楽とはどこか一線を画しているキャラもあって、ジャズやロックファンの中にもリゲティ心棒者は少なくないかも知れない。このタイトル「リゲティ・エディション3 ピアノのための作品集」にはエチュードが入っている。

これは僕がリゲティを初めて聴いて腰を抜かしたエチュードが入っている。またそのエチュードの中に「」という作品が在る。この曲の美しさはどうだろう。絶対に他の作曲家では描き出せない音の重なり、展開だ。

これを聴くと「時間」のことを考える。

この世で最も美しいのは「時間」なのではないだろうか。
虹 が始まると、いつも「高校時代」授業が終わり放課後へと移行する頃合い、夕暮れに差掛かる中途半端な帯域へと自分が誘われる。物憂い色合いのチャイムが遠 くで鳴っており、生徒達の声が交差している。その描き出し方は押し付けがましくなく柔らかく独特な浮遊感を持って自分を包み込む。「虹」でリゲティが言い たかったことは、こんなことではないだろう。でも、僕には常にこのように作用する。その「イメージの屈折」こそが音楽の持つ素敵な側面というものかも知れ ない。

そにしても、こういう風に包容力のある音楽を僕は他に知らない。
これだけ高度な音使いを駆使していながら、その音楽の在り方はひたすら謙虚に漂っている。溜息が出てしまう。

も ちろん、他ではポリリズムで押し倒してくる作品もあれば、ある種不気味さを伴うものもある。そして散見されるのは、意外にポップな(こういう形容が許され るなら、、笑)旋律が内包されていること。音楽ファンのコメントにも「現代音楽なのに聴きやすい」とか「凄い音楽だが、同時に美しさを感じる」などとあり 現代音楽の作曲家達と比較しても頭ひとつ抜け出した評価となる。

根クラに専門性を追求するイメージが強い現代音楽の中では珍しく、飄々と音楽を進める。「このように聴いて欲しい」とか「このようにあるべきだ」という気難しさ、傲慢なところがない。そこがとても良いと思う。

素直に聴けば誰にでも楽しめるはず、、と僕は信じて疑わない。もし聴いてよく分からなかったら、申し訳ないのだけれど、何度か聴きなおしてほしい。必ず自分にフィットした作品があるはず。そこからこじ開けていくと良いでしょう。

心に刻まれる理由ーピンクフロイド「狂気」

消失された場所で聴いた「狂気」の記憶。


18歳の僕とピンクフロイド「狂気」、イメージは重なりひとつの記憶になっている。

The Dark Side of the Moon

「狂気」はもちろん邦題ですね。上記がオリジナルのタイトル。
本作は出来るだけ良い音で聴きたい内容となります。狂気 (30周年記念盤)(SACD)
それにしても「狂気」ってのもあながちイメージとしては外れていない。だって気味の悪いオッサンが登場するから。

学校から帰って来た僕は制服をイライラと脱ぎ捨て、月3000円のお小遣いを叩いて買った本作(当然のことながらLPレコード)をしげしげと眺め ておりました。当時、実家は建替えをするというので、叔母の家(母の実家)に預けられていたのですが、その2階には都合良くステレオが置いてありました。今思えば叔母が1階から移動しておいてくれたのかも知れません。僕はレコードに針を落とし、ヘッドホンをかけてボリュームを上げていきました。
すると、カタカタ、、カタカタというSEが聴こえてまいります。喋り声もオーバーラップして来ますが、何しろ聴いたことのない独特な質感で、その音質も国産音楽では到底感じることの出来ない素晴らしいものでした。


よく聴くと、レジのガチャコンというような音も入って徐々に賑やかで、尚かつ不穏な空気感は濃厚になって来る。それにしても最初から、ドコッ、ドコッ、、と心臓の音がしつこく一定のスピードで鳴っているのが妙に気になる。

何時までこんなことやってんの?この音楽は、、、と思っていると、遠くの方から「アァ~、、アァ~、、アァ~、、」と超気味の悪い声が大きくなって来るではありませんか!!
「うわっ!!何コレ」
と僕はヘッドホンを投げ捨ててしまいました。

これですね。音楽のインパクトというのはコレを言うのだと思います。
驚いて聴くのを止めてしまう程の衝撃。何と凄いことでしょう。
気を取直して、コレを聴いたのは半年後でした。すると、このSEの冒頭以降には何と素晴らしい曲(サウンド)が続いていたことでしょう?あの、うす気味の悪いフェイドインがあって、ナイフで切ったように瞬時に移行する本来的にはイントロであろう安堵させるようなギターの音色とリフ。実に計算された演出であり、このバンドの他のプログレバンドにはない機知を感じるところです。

あのガイキチオヤジはもう一度登 場しますが、それぞれの作品に力があるので、こういったアイデアが全て必然性を持つに至っている。TIMEで使われる時計の音、MONEYで使われるキャッシャーの 音、どれもこれもが生々しく、すぐそこで鳴っているようです。

何となく隙間に突っ込みました。そういうSE(サウンドエファクト:効果音)とはわけが違う。このSEはこのバンドのとても大切な要素です。

ピ ンクフロイドはプログレ御三家(これは人によって微妙に異なる)に入るバンドですが、だからといって押し倒すようなテクニックがあるわけではない。 ELPとかキングクリムゾン、もしくはイエスなどとは(その音楽表現において)一線を隔てていると言って良いでしょう。テクニックのないところを創意工夫とコンセプトを強く押し出すことで、聴き手にまるで"記録映画"のような印象を与える。下手とは言うけれど、決して一般的な意味での「下手」と言うのではありません。呆れるほどのテクニックを持つ上記のバンド達と比較してのことです。彼らは自分達の言いたいことを演奏表現するに足るテクニックとキャラを十分持っています。
先にテクニックが来てしまう音楽ほど表層的で薄っぺらなものはありませんから。
「テクニックは自分達の表現の下に位置するもの」彼らは音を通して教えてくれます。

 

ピンクフロイドは他にも名盤はありますが「強いイメージの塊」を感じるのは本作です。おそらく当時のバンドの状態、世相、録音スタッフ、使用していた機材と作品との関係性などアルバム制作に影響するパーツのひとつひとつが上手く行ったのでしょう。

 

あの叔母の家は、東日本大震災で流されてしまいました。
それでも、夕暮時に聴いたピンクフロイドと当時の自分の織り成した小さな世界は、今でも鮮明に心に刻まれています。
感動を与えてくれる音楽との出会いは本当に素晴らしいですよね。

皆さんも機会があったら是非、試聴してみてください。

Phew、パンクニューウェーブの職人

テクニックを笑い、一蹴するそのカリスマ性


Phewを聴いたのは、おそらく坂本龍一さんがDJをしていたサウンドストリートだと思う。「このヴォーカル、一体どうした?」それが第一印象。

好き・嫌いがハッキリ、クッキリ!そういう音楽です。

また、誰が聴いても同じ印象を持つはずで、結果として「受け入れる」か「こういうのはダメ」と拒否反応が出るかだけだと思います。
ニューワールドは最新作になるが、僕個人の意見としては、Phewの場合、作品が新しいほど音楽が洗練されて共感出来るという気がする。ホルガーシューカイ辺りとやっていた旧作も、それはそれで捨て難い魅力があるのだけれど。

僕は、今でもテクニックを信じているし、テクニックのない音楽は好まない。
底意地の悪い年寄具合は救い様がないけれど、弛まない技術の習得と研究が底力となるのだと信じて疑わない。
しかし、、、、このPhewという何ともキワモノ的(あくまでも「」です)な悪魔のような歌を聴くと「変拍子」で地固めし「モード奏法」で幾重にも防御を固め「ポリリズム」で外堀を埋め尽くした"真田丸"とタメを張る?我が城も決壊しそうになる。

聴いていて吸い込まれてしまうのだから仕方ない。ここは素直にこの変態な世界に誘われるしかないのだろう。こういう音楽だがライブもまた凄い。執念深く何度も繰り返されるリフの抑揚、その根底には一体何が在ってのことなのか。怖いもの見たさで入るお化け屋敷(失礼)みたいなイメージを感じる。
数十年ぶりに聴いた彼女の音楽は、更に研ぎ澄まされ、槍の先は輝きを増している。そしてこのサウンド。恐ろしく面白い。Phewの音楽(というより「世界」と言った方が良いか)を築くパワーと先鋭的なサウンドとの融合は、新しい音楽を渇望する音楽ファンの期待に十分応えるものだ。

それにしても、不思議な音痴具合は相変らずぶっ飛んでいる。
これは希有な才能といって良いかも知れない。
この歌い方、音程の取り方は、作為的なものなのだろうか?

オリジナルに溶け込ませることを意識してこのようにアプローチしているのだとしたら驚きだけれど。
この音楽を聴いて、最初から拒絶反応で針を上げる人も少なくないかも知れない。しかし、吸い込まれてしまう僕のような「変態君」もいるのだ。電車と一体化する会社員、出前バイクと同化する蕎麦屋の店員、ヘルメットが身体要素となる建設現場の親方、人車一体バスの運転手、こういった地球人が自宅で聴く音楽、それが「Phew」かも知れないのだ。

Phewはある意味、教祖みたいな存在である。
音楽教なので、お布施はCD購入代となる。音楽教は信者以外から見れば、悪魔のようだったり、えらく下品な弁天様に見えるかも知れない。神様のような存在なので#系音痴という完治不能な病気であっても笑って許される。許されるどころか、それが気持ち良いとさえ感じているマニアも水面下では多数存在する。

しかし何度も言うが、吸い込まれた信者とっては何ものにも変え難い"音"と"言葉の魔力"があるのだ。子供、学生、大人、お年寄り、そして音楽好きの宇宙人まで。

この変態音楽に触れていただき、感想を伝えて欲しいと思う。面白音楽はコメントもまた面白いものだ。
こういった表層的ではない、本当の意味での「個性」を持つヴォーカリストが知られるようになって欲しいと願うものです。彼女はこの芸風を、おそらく30年は(もっとか)変えることなく追求してきたわけです。

これはもはや、職人さんの域でしょう。しかしその音楽内容には幾重にも渡る試行錯誤の痕跡が認められます。

職人は立ち止まらない。

心よりPhewを応援したいと思います。

ブレードランナー、、6回目の再生なるか。

映画音楽の役割を再認識させた傑作

ブレードランナー、、マニアなファンはブレランなどと略して呼んだりする。

昔、SNSでこの映画のコミュニティサイトに入ったら、その内容があまりに濃くて熱いのでボーッと眺めるだけだった気がする。

ビデオBGMの仕事に関わっていた頃、プロデューサーの方からこの他ではみられない作品の要素として「無駄と言われるコマが全くない」ということを聞いた。

最初この映画に触れたのは、オンボロだった頃の池袋・文芸座で「時計仕掛けのオレンジ」との2本立だった。

余談ながら、僕がこれを視ていた時、その後(ライブやイベントの仕事で)ご一緒することになるバイオリニストの太田恵資さんが映画館の前で、入るかどうか迷って立っていた、という偶然のエピソードがある。

ブレードランナー・サウンドトラック は映画BGMという役割を外したとしても独立した音楽として十分に聴ける内容を持っているのが良いところだ。

ヴァンゲリスの特長としては、その独特な広さを持つサウンド、そして分かりやすい主旋律にある。

サウンドは聴いてそれとすぐ分かる音色であり、あの音価を長くとったシンセサイザーのサウンドの要はおそらく全てではないものの、Rolandのシンセから発信されているものだ。僕も同社の音源を持っているが、ほぼ同じイメージを音を聴くことが出来る。

 

これをオリジナルやライブで使うことには、流石に抵抗があるのだけれど、その誘惑の強さと言ったらない。

推測ばかりで申し訳ないのだが、昔のヴァンゲリスの(もしかしたら最近のものでも)JUPITER系のシンセを使用していたと思われる。古くはJUPITER-4、新しい方ではJUPITER-8、その辺だろうか。

この「4」を見かけることはまずないが、遠い昔、池袋の音楽スタジオにはこれがオプション扱いで置いており、弾いてことがある。

そしてこの出音が、ヴァンゲリスと全く同じ音が出たので驚いた憶えがある。

ブレードランナーは映画とビデオで5回は繰返し視聴しているが、飽きっぽい自分としては実に珍しいと思う。

それは出だしの、あの街全景からタイレル社が出現する冒頭の映像とサウンドをもう一度確認したいから、、という理由があるから。

それだけこの導入部には、今もって充分な魅力がある。受け手の心をあっという間にオーバーフローさせるだけの圧倒的な質感を持つシーンだと思う。

映画と音楽の重なりは、作品内容に於いて相当な比重を持つものだろうけれど、それにしても寒いものも多い。

本作のように、本編と音楽がここまで同化しているのは珍しいケースだ。

というか、逆に音楽(サウンド)が主で映画がPVみたいにその下に(悪い意味ではなくて)入っている部分もあるように感じられる。

例えば、ビルの合間をゆっくりと空間移動する未来の宣伝カー?ビルの側面には「強力ワカモト」と表示(この映画には和的センスが散見される)されている。

その音楽というよりサウンドと言ったら良いのか、その絵と音の何とも魅力的な重なり。音楽だけを取り出してみると、実はラストテーマで使用されている音楽などは、スレスレで野暮ったくなるところを回避しているようなところがあって、考えてもみればヴァンゲリスの他の映画音楽、炎のランナー南極物語でも似たようなところはある。

そしてまた、この微妙に下世話で世俗的な旋律は、もしかする映像に自分の作品が入り込みやすくするための潤滑剤みたいな役割を果たしているのかも知れない。

この音楽に接していると(僕の場合、作曲作業の中心にはピアノがどっかりと腰を据えているわけだけれど)音の要素に付いて、もっと幅広い観点が必要ということに気付かされる。

さて6回目の視聴となるかどうか。時間に追われて映画を一本視るということがなかなか出来ませんが、何とか捩じ込みたいものです。

「ブレラン知らない」という人達は、是非この連休中にブレラン教?に入信しましょう。底なしの未体験ゾーンに突入すれば、近未来の旅が待っています。まずは"CDで肩ならし"も良いでしょう。自信をもってオススメします。